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Verantwortungsvolle Mode

Designer auf der ganzen Welt lassen sich bei ihrem Bestreben, Stoffabfälle zu vermeiden, von der traditionellen Bekleidungsherstellung inspirieren.

Von Hahna Yoon

Dieser Artikel ist Teil einer Reihe, die sich mit verantwortungsvoller Mode und innovativen Bemühungen zur Bewältigung von Problemen der Modebranche befasst.

Bhaavya Goenka wuchs mit der Beobachtung auf, wie Lastwagen voller ausrangierter Textilien aus der Bekleidungsfabrik ihrer Eltern in Jaipur, Indien, zu nahegelegenen Mülldeponien fuhren. Inspiriert von dieser Kindheitserinnerung gründete Frau Goenka, 27, 2017 Iro Iro, ein Modelabel und einen Service, der Textilabfälle zurückgewinnt und nach indigener Praxis verwendet. Sie gehört zu einer wachsenden Zahl von Designern, die ihre traditionellen Kulturen im Gespräch über Zero-Waste-Mode vertreten.

„In unseren kollektiven Kulturen gibt es seit langem ein Bewusstsein für Textilien und Materialien, und ich versuche einfach, mich davon inspirieren zu lassen“, sagte Frau Goenka. Zu Iro Iros Mission gehört es, mit Designhäusern zusammenzuarbeiten, um deren Reste einzusammeln, sie in kleinere Stücke zu zerlegen und mit Handwerkern in den Dörfern zusammenzuarbeiten, um sie zu neuen Stoffen zu verweben. Darüber hinaus entwirft Frau Goenka gelegentlich eigene Zero-Waste-Kollektionen.

Die Sprache, die zur Beschreibung traditioneller indischer Kleidungsstücke verwendet wird, passt möglicherweise nicht in das zeitgenössische Lexikon nachhaltiger Mode, aber solche Designs sind von Natur aus abfallfrei, sagte Frau Goenka. Sie erklärte, wie jeder der 28 Bundesstaaten Indiens abfallfreie Musterschnitttechniken anwendet, um seinem Klima gerecht zu werden. „In Kaschmir, wo es sehr kalt ist, tragen sie diese Wollkleider mit langen Ärmeln, die man Pheran nennt. Im Süden, wo es heiß und tropisch ist, tragen die Menschen Kurtis, die aus atmungsaktiveren Stoffen hergestellt sind. Jede Art indischer Kleidung, die umgangssprachlich getragen wird, wie Sari, Choli, Lehenga, Kurta, hat keine Formen, die Abfall hinterlassen.“

Jährlich entstehen 92 Millionen Tonnen Textilabfälle und laut den Vereinten Nationen ist die Modeindustrie für bis zu 10 Prozent der CO2-Emissionen der Menschheit verantwortlich. In einem Bericht des Weltwirtschaftsforums aus dem Jahr 2021 wurde die Mode zusammen mit ihrer Lieferkette als drittgrößter Umweltverschmutzer der Welt bezeichnet. Später in diesem Jahr veröffentlichte der Australian Climate Council eine Erklärung, in der er die Umweltauswirkungen der Mode insbesondere mit Fast Fashion in Verbindung brachte. Heutzutage kaufen Verbraucher häufiger Kleidung, und bis 2030 wird der weltweite Bekleidungsverbrauch voraussichtlich von heute 62 Millionen Tonnen auf 102 Millionen Tonnen pro Jahr steigen.

Während niemand genau weiß, wie viel Abfall bei der Produktion anfällt, schätzt Timo Rissanen, außerordentlicher Professor für Mode und Textilien an der University of Technology Sydney, ungefähr, dass allein beim Zuschnitt 15 Prozent der Textilien weggeworfen werden. Ein Teil des Problems besteht darin, dass es schwierig ist, große Einzelhändler zur Rechenschaft zu ziehen. Sogar Unternehmen wie H&M und Uniqlo, die oft als Pioniere der nachhaltigen Fast Fashion gelten, wurden wegen mangelnder Transparenz kritisiert.

Im Jahr 2015 schrieb der 47-jährige Professor Rissanen zusammen mit Holly McQuillan ein Buch mit dem Titel „Zero Waste Fashion Design“, ein Begriff, den es als „Modedesign, das keinen Stoff verschwendet, indem es das Schneiden von Mustern in den Designprozess integriert“ definiert. In dem Buch bezeichnete er diese Praxis als „alt wie das Bekleiden des Körpers mit Häuten und Stoffen“ und konzentrierte sich auf das Zuschneiden von Mustern, schlug jedoch vor, dass Stoffabfälle nicht die einzige Überlegung beim Zero-Waste-Design seien. Während der Designer versucht, Stoffabfälle zu vermeiden, muss er sich auch darüber im Klaren sein, wie die Kleidung aussieht und sitzt, wie sie hergestellt wird und woraus sie besteht.

Die meisten Kulturen auf der ganzen Welt haben eine lange Tradition im respektvollen Umgang mit Materialien, aber der Diskurs über Zero-Waste-Mode ist überwiegend westlich, schrieb Professor Rissanen per E-Mail. „Mode und der Diskurs über Mode sollten so vielfältig sein wie die Menschheit, und diese Neuausrichtung ist glücklicherweise im Gange“, sagte er.

Duni Park, eine 47-jährige koreanische Designerin mit Sitz in Tokio, gründete 2011 Gallery Shili, eine Marke für nachhaltige Damenbekleidung. Jeder Kimono besteht aus acht rechteckigen Streifen, die aus einem einzigen Stoffballen, auch Tanmono genannt, geschnitten sind, sagte Frau . Park erklärte es per E-Mail. Bei der Herstellung eines Kimonos werden Änderungen am Stoff auf ein Minimum beschränkt, und wenn geschwungene Formen erforderlich sind, wird der Stoff sorgfältig gefaltet und genäht, anstatt ihn zu schneiden – wie beim Origami. Überschüssige Längen werden nicht abgeschnitten, sondern gesäumt: „Der ursprüngliche Stoff wird zu 0 Prozent verschwendet“, schrieb sie.

Frau Park, die in Japan gebrauchte Kimonos findet und sie für ein bewegungsfreundlicheres Design neu interpretiert, sagte, ihre Marke sei „keine nostalgische Marke“. Stattdessen lässt sie sich von der Zero-Waste-Natur von Kimonos inspirieren und kreiert moderne Zero-Waste-Looks. „Wenn man einen Kimono zerlegt, wird er wieder in seinen ursprünglichen Stoff zurückverwandelt, als wäre ihm nie etwas passiert“, sagte sie. „Es ist, als ob einem eine völlig neue leere Leinwand gegeben wird, auf der man neu zeichnen kann.“

Wie viele Inhaber nachhaltiger Unternehmen hat Frau Park Schwierigkeiten, den Umsatz pro Wert oder Produktion zu bewerten, aber ihr Sortiment hat sich von einer Schalkollektion auf 11 verschiedene Kollektionen von Mänteln, Overalls, Hemden und Schuhen erweitert. Sie sagte, sie habe auch gelernt, den Stoff, den sie habe, effizienter zu nutzen. „Vor zehn Jahren haben wir aus 30 Kimonos 30 Schals gemacht, aber jetzt stellen wir bis zu 200 Artikel aus 80 bis 90 Kimonos her“, sagte sie.

Für Adeju Thompson, einen 31-jährigen Yoruba-Designer in Nigeria, geht es beim Zero-Waste-Design auch um die Verbindung mit der Natur. Er ist der Gründer des Lagos Space Programme, einem 2021 gegründeten Luxuslabel, das sich auf nicht-binäre Mode spezialisiert hat. Die Kleidung von Mr. Thompson ist an seinen klaren Linien und dem kräftigen Einsatz von Farben erkennbar und sowohl von seiner queeren Identität als auch von seinem afrikanischen Erbe inspiriert, sagte er. Eines der Markenzeichen der Linie ist eine moderne Interpretation der Kembe, einer Art nigerianischer Hose mit weitem Bein, die, wie andere Designs des Lagos Space Program, keinen Textilabfall erzeugt. Darüber hinaus verwenden viele von Herrn Thompsons Designs organische Farbstoffe, insbesondere Indigo, die aus Pflanzen im Wald stammen.

„Es ist ein sehr schönes, fühlbares Erlebnis – die Hände immer wieder ins Wasser zu tauchen, wie eine Art Meditation, bis sie blau werden“, sagte er. Während das Yoruba-Volk traditionell organische Farbstoffe für Adire verwendet, eine Form des Geschichtenerzählens, die auf mit symbolischen Mustern gefärbten Textilien basiert, sagte Herr Thompson, er befürchte, dass sowohl die nachhaltigen als auch die kulturellen Aspekte der Kunstform mit dem Aufstieg auslaufen würden von chemischen Farbstoffen und Fast Fashion. „Unsere Designpraktiken sind stark in unserer kollektiven Identität verwurzelt, die umweltfreundliches Verhalten fördert“, sagte er.

Für viele Designer sind Zero-Waste-Praktiken ebenso ein Synonym für Gemeinschaft wie für Nachhaltigkeit. Einige sprachen darüber, dass viele Arten kultureller Kleidung – wie Saris, Kembe, Kimonos und Hanbok – nicht figurbetont sind, was es einfacher macht, sie von einer Generation zur nächsten weiterzugeben oder von Menschen unterschiedlicher Größe innerhalb einer Gemeinschaft geteilt zu werden .

Sung Ju Beth Lee ist Designerin eines weiteren Zero-Waste-Kleidungsstücks – des Hanbok, des traditionellen koreanischen Kleides – bei Darcygom. Die 2017 gegründete Marke hat mit koreanischen Marken wie Ottogi und Oriental Brewery zusammengearbeitet, um deren Banner zu modernisieren und moderne Hanboks zu kreieren. Frau Lee erklärte, dass es in der koreanischen Kultur ein Kleidungsstück für Neugeborene namens Baenaet Jeogori gibt, das aus gebrauchten Gegenständen der Familie zusammengesetzt wird. Die Kleidungsstücke fühlen sich abgenutzt an, was sie weicher macht und den Älteren die Möglichkeit bietet, liebevolle Energie an die nächste Generation weiterzugeben, sagte sie.

Frau Goenka aus Iro Iro sagte, sie habe die Saris ihrer Mutter geerbt, als diese starb. Obwohl ihre Mutter einen anderen Körpertyp hatte, sagte Frau Goenka, könne sie ihre Saris tragen, weil die Kleidungsstücke durch eine Drapierungstechnik getragen würden, die sich an die Größe anpasse. „In all diesen alten Kleidungsstücken steckt einfach so viel in Bezug auf Körperakzeptanz und Körperbefreiung“, sagte sie.

Abu Sadat Muhammad Sayem, ein wissenschaftlicher Mitarbeiter am Manchester Fashion Institute, der untersucht, wie abfallfreies Zuschneiden von Mustern auf die Massenproduktion angewendet werden kann, sagte, dass es nicht ausreiche, dass High-End- und Maßmodedesigner abfallfreie Designtechniken anwenden . Stattdessen muss die Verantwortung bei Massenproduzenten wie Zara, H&M und Marks & Spencer liegen, den Textilmüll zu reduzieren.

„Einer der Ansätze zur Verbesserung der intellektuellen Stoffnutzung besteht darin, kulturelle Gegenstände aus verschiedenen Teilen der Welt zu betrachten und zu sehen, wie sie in modischen Stilen angewendet werden können“, sagte er. „Das ist vielleicht nicht die einzige Lösung, aber es könnte eine der Lösungen sein.“

Frau Goenka äußerte sich optimistisch hinsichtlich der Wirkung, die kleinere Marken erzielen können. Sie sagte, 80 Prozent der Einnahmen ihres Unternehmens stammen aus der Zusammenarbeit mit Designern, Hotels und Fabriken, die ihren Abfall reduzieren wollen.

„Ich glaube wirklich, dass das nächste große Ding aus vielen kleinen Dingen besteht“, sagte sie. „Viele kleinere Marken arbeiten an ähnlichen Konzepten, berücksichtigen jedoch unterschiedliche Ästhetiken und bilden ein vielfältiges Gesamtbild. Das ist es, was die Welt bewegt und nicht nur den Anblick von 10.000 Stücken derselben Marke. Die Frage ist also: Wie können wir unsere Vergangenheit akzeptieren und unsere Geschichte als Grundlage für unsere Zukunft nutzen?“

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